Yma Sumac, la voz de los incas

245445.jpg

Yma Sumac nació en el Distrito de Ichocán , San Marcos, Cajamarca; el 13 de septiembre de 1922. Sus padres fueron Sixto Chávarri y Emilia del Castillo. A través de su madre se consideraba descendiente directa del último inca Atahualpa de raza indígena, hecho que fue confirmado por el cónsul general del Perú en los Estados Unidos, aunque cabe destacar que Yma Sumac es de ascendencia castiza. A los cinco años se mudó su familia al poblado de Magdalena y luego a Cajamarca. Se dice que de niña trataba de imitar el canto de los pájaros, iniciándose así su pasión por el canto. Después de que se descubrieran sus dotes de cantante a los trece años de edad y con apoyo del Ministerio de Educación, pasó a vivir a la ciudad de Lima, capital del Perú. Su primera aparición en la radio fue en 1942. Contrajo matrimonio con Moisés Vivanco, compositor y director de la banda Compañía Peruana de Arte, el 6 de junio de 1942 en Arequipa.

Usando el nombre artístico de Yma Sumac, grabó como mínimo ocho canciones de folklore peruano en Argentina en 1944. En estas primeras grabaciones, con el sello discográfico Odeón, fue acompañada por la agrupación de Vivanco Compañía Peruana de Arte, integrada por 46 nativos danzantes, cantantes y músicos.

En 1946, Yma Sumac viaja con Moisés Vivanco a Nueva York donde se presentan como Trío Inca Taky, con Vivanco a la guitarra y Cholita Rivero, prima de Sumac, cantando como contralto y bailando. Algunos consideraron un engaño que ella se proclamara descendiente del emperador Atahualpa y surgió el bulo de que había nacido en Brooklyn y que su verdadero nombre era Amy Camus, que en realidad es su nombre artístico deletreado al revés. El 23 de mayo de 1946, el cónsul José Varela y Arias, en nombre del gobierno del Perú, certificó oficialmente «a mi buen entendimiento y en concordancia con las aserciones de autoridades en la historia de los incas y la historia peruana en general, Yma Sumac es una descendiente del inca Atahualpa».

En 1950 el matrimonio firmó un contrato con Capitol Records, compañía que comprendió el interés de Estados Unidos por las culturas exóticas tras la Segunda Guerra Mundial. De hecho, en sus actuaciones aparecía vestida como supuestamente lo haría una princesa inca según el gusto de Hollywood. Ese mismo año graba, con la producción de Les Baxter, Voice of the Xtabay, que fue un gran éxito. Después grabaría con el director de orquesta Billy May. Su repertorio se nutría de canciones del folklore andino y de otras compuestas por su marido. En 1954 participa en la película El secreto de los incas, con Charlton Heston y Robert Young, donde interpreta los temas «Taita Inty», «Ataypura» y «Tumpa». En 1955 publica Mambo!, con ritmos afrocubanos. En julio de 1955, el Gobierno estadounidense le concedió la ciudadanía estadounidense.

En 1956 aparece en la película mexicana Música de siempre, donde escenifica «Chuncho», y al año siguiente lo hace en Omar Khayyam, con Cornel Wilde. Después de estos éxitos se le concedió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, siendo la primera latinoamericana en recibir este galardón y la única peruana que cuenta con tal distinción. En mayo de 1958 obtuvo su divorcio legal de su exesposo, el músico Moisés Vivanco.

A principios de los años sesenta consiguió hacerse popular en la Unión Soviética, donde en 1961 grabó un disco en directo acompañada por la Orquesta Sinfónica del Teatro Bolshói. Una década después, en 1972, grabó un disco de rock, Miracles. Durante los años siguientes continuó actuando, aunque esporádicamente, en Estados Unidos, Perú y Canadá. En 1987 grabó el tema «I wonder» con el productor Hal Willner para el disco Stay Awake, con versiones de varios artistas de temas de películas de Disney.

En los años noventa se volvió a escuchar su voz en anuncios publicitarios y películas, apareciendo por ejemplo su tema «Ataypura» en la película El gran Lebowski de Joel e Ethan Coen.

El 2 de mayo de 2006, después de tres décadas de alejamiento y contando con 84 años de edad y gracias a la iniciativa de Miguel Molinari (reconocido crítico y promotor cultural), retornó al Perú para recibir una serie de condecoraciones del Gobierno de este país y otras autoridades y organizaciones culturales. La soprano permaneció durante quince días en el país, visitando Cuzco y Machu Picchu.

yma-sumac-1-e1473741458736.jpg

En su larga trayectoria se destacaron piezas exóticas como «Ataypura», «Chuncho», «Taita Inty», «Gopher Mambo», «Montana», «Incacho», «Tumpa», «Xtabay», «A La Molina», «El cóndor pasa», «Goomba Boomba», «Jungla», «Jívaro» o «Vírgenes del sol». Algunos cantantes han reconocido su influencia, como el francés Bernard Lavilliers, quien reconoce las influencias musicales «latinas» de los discos de Yma Sumac que sus padres le habían dado en los años cincuenta. Más modernamente, es citada por la cantante Vanessa Paradis en el tema «Joe le taxi» (1987) o por el español Guille Milkyway, que tiene una canción titulada: «La nueva Yma Sumac».

Yma Sumac falleció en Los Ángeles el 1 de noviembre de 2008 tras seis meses de lucha contra el cáncer de colon. Por deseo de la cantante y de sus parientes más cercanos fue inhumada en Hollywood, donde había pasado 60 años de su vida.

Nini Marshall.Talentosa por siempre

NINÍ MARSHALL - eh!.jpgMarina Esther Traveso nace en Buenos Aires, 1 de junio de 1903 y muere el 18 de marzo de 1996.
Fue una actriz, guionista y humorista argentina, conocida con el seudónimo de Niní Marshall.
Inició su carrera como ilustradora en la revista Sintonía en la década de 1930 y, consecutivamente, se desempeñó como cancionista, comentarista con el seudónimo de Mitzy y protagonista de programas cómicos en las principales radios locales. Para 1938, había debutado como actriz y guionista en Mujeres que trabajan, dirigida por Manuel Romero.Su popularidad se acrecentó considerablemente en los años de 1940, protagonizando 37 películas, generalmente interpretando a sus personajes Catita y Cándida. Su última película, ¡Qué linda es mi familia!, se estrenó en 1980. Apodada «La Dama del Humor» y «La Chaplin con faldas», los últimos años de su vida estuvieron marcados por los reconocimientos. En 1989 fue distinguida como «Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires», en 1992 recibió el premio Podestá a la trayectoria y en 1995, Marilú Marini, a modo de homenaje, volvió a recrear sus libretos en dos obras teatrales.
Niní. ¡Siempre con nosotros!

nini marshalll.jpg

Hay que Educar a Niní (Completa)

Catita es una dama (Completa)

Yo quiero ser bataclana (Completa)

photo.jpg

Cleopatra era Cándida (Completa)

Y se nos fue redepende (completa)

Gracias querida Niní por tanto talento!

hqdefault

Atahualpa Yupanqui, el alma del folclore argentino.

maxresdefault (8).jpgAtahualpa Yupanqui (en quechua, el que viene de lejanas tierras para decir algo)

Seudónimo de Héctor Roberto Chavero Aramburu fue un cantautor, guitarrista, poeta y escritor argentino. (Juan A. de la Peña, partido de Pergamino, Argentina, 31 de enero de 1908 – Nîmes, Francia, 23 de mayo de 1992),

Se le considera el más importante músico argentino de folclore. Sus composiciones han sido cantadas por reconocidos intérpretes, como Juan Carlos Baglietto, Los Tucu Tucu, Los Chalchaleros, Los Fronterizos, Facundo Cabral, Mercedes Sosa, Dúo Salteño, María Dolores Pradera, Alberto Cortez, Pedro Aznar, Horacio Guarany, Jorge Cafrune, Alfredo Zitarrosa,José Larralde, Víctor Jara, Trío Milano-Grazioli-Silva, Ángel Parra, Liliana Herrero, Jairo, Andrés Calamaro, Divididos, Marie Laforêt, Mikel Laboa, Soledad Pastorutti, Federico Pecchia y Enrique Bunbury entre muchos otros, y siguen formando parte del repertorio de innumerables artistas, en Argentina y en distintas partes del mundo. En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras.

Atahualpa_Yupanqui.jpg

Nació el 31 de enero de 1908 en el campo de la Cruz (de la familia Segoburo, sus tíos abuelos vascos). Era una antigua posta rural, equidistante del pueblo de Colón y del pueblo de Pergamino, al norte de la provincia de Buenos Aires. Su padre era oriundo de Monte Redondo, en la provincia argentina de Santiago del Estero, y su madre era de origen vasco. Su infancia transcurrió en Agustín Roca, partido de Junín, donde su padre trabajaba en el ferrocarril como telegrafista y se dedicaba también a la doma de caballos. Inicialmente estudió violín con el Padre Rosáenz, el cura del pueblo. Más tarde aprendió a tocar la guitarra en la ciudad de Junín con el concertista Bautista Almirón, quien sería su único maestro. Inicialmente vivió en Junín en la casa de Almirón; posteriormente regresó al pueblo de Roca y viajaba 16 kilómetros a caballo para tomar las lecciones en la ciudad.

Atahualpa Yupanqui descubrió la música de Sor, Albéniz, Granados y Tárrega, y también las transcripciones para guitarra de obras de Schubert, Liszt, Beethoven, Bach y Schumann.

En 1917 con su familia pasó unas vacaciones en Tucumán, y allí conoció un nuevo paisaje y una nueva música, con sus propios instrumentos, como el bombo y el arpa india, y sus propios ritmos, la zamba, entre ellos. La temprana muerte de su padre lo hizo prematuramente jefe de familia. Jugó tenis, boxeó y se hizo periodista. Fue improvisado maestro de escuela, luego tipógrafo, cronista, músico y fundamentalmente, agudo observador del paisaje y del ser humano. A los 19 años de edad, compuso su canción “Camino del Indio”. Emprendió un viaje hacia Jujuy, Bolivia y los Valles Calchaquíes.

En 1931 se casó con su prima María Alicia Martínez quién tenía un hijo nacido en 1923 de una pareja anterior. No le había ido bien en Buenos Aires, así que se fueron a Entre Ríos, donde nació su primera hija, Alma Alicia, afincándose un tiempo en Tala. Participó en la fracasada sublevación de los hermanos Kennedy, en la cual estuvieron envueltos también el coronel Gregorio Pomar y Arturo Jauretche, que inmortalizó la patriada en su poema gauchesco El Paso de los Libres. En enero de 1932 participó en la fallida intentona revolucionaria de los hermanos Kennedy, en La Paz, lo que lo obligó a refugiarse en Uruguay, primero en Montevideo, y luego en otras localidades camino al sur de Brasil. Mientras tanto su esposa había regresado a Junín, donde el 11 de enero de 1933 nació su segundo hijo, Atahualpa Roberto. Finalmente en Rosario nació en 1936 nació Lila Amancay. Separado al año siguiente, su ex mujer con los chicos, volvió a Junín.

20140924111109_atahualpa.jpg

Después de esta derrota debió exiliarse en Uruguay. Pasó por Montevideo, para luego dirigirse al interior oriental y el sur del Brasil.

En 1934 reingresó a la Argentina por Entre Ríos y se radicó en Rosario (provincia de Santa Fe). En 1935 se estableció en Raco, provincia de Tucumán. Pasó brevemente por la ciudad de Buenos Aires —donde diversos intérpretes comenzaban a popularizar sus canciones— para actuar en radio. Recorrió después Santiago del Estero, para retornar por unos meses a Raco en 1936. Realizó una incursión por Catamarca, Salta y Jujuy. Más tarde visitó nuevamente el Altiplano en busca de testimonios de las viejas culturas originarias. Retornó a los Valles Calchaquíes, recorrió a lomo de mula los senderos jujeños y residió por un tiempo en Cochangasta, provincia de La Rioja.

Es interesante destacar que en Tucumán en 1942, conoce a una “quebecuá”, una francocanadiense, Nanette con la que convivió y luego en 1946 se casó via Montevideo (legalmente era bígamo)- Con Nanette tuvo su último hijo, Roberto, que en la práctica fue el único que mostró como tal, tal vez influido por Nanette, quien llevaba las riendas en la pareja. Los tres primeros hijos de Atahualpa, si viven, en Junin u otra parte- son hoy casi octogenarios. En cuanto a Roberto, heredero de la fortuna de su padre, tiene sus propios dramas familiares: su hijo Emiliano le inició juicio por el manejo del museo de Cerro Colorado.

A causa de su afiliación al Partido Comunista su obra sufrió la censura durante la presidencia de Juan Perón, fue detenido y encarcelado varias veces. Al respecto ha dicho Yupanqui:

atahualpa20yupanqui.jpg

«En tiempos de Perón estuve varios años sin poder trabajar en la Argentina… Me acusaban de todo, hasta del crimen de la semana que viene. Desde esa olvidable época tengo el índice de la mano derecha quebrado. Una vez más pusieron sobre mi mano una máquina de escribir y luego se sentaban arriba, otros saltaban. Buscaban deshacerme la mano pero no se percataron de un detalle: me dañaron la mano derecha y yo, para tocar la guitarra, soy zurdo. Todavía hoy, a varios años de ese hecho, hay tonos como el Si menor que me cuesta hacerlos. Los puedo ejecutar porque uso el oficio, la maña; pero realmente me cuestan.»

Atahualpa Yupanqui

Atahualpa se fue a Europa en 1949. Édith Piaf lo invitó a actuar en París el 7 de julio de 1950. Inmediatamente firmó contrato con “Chant du Monde”, la compañía de grabación que publicó su primer LP en Europa, “Minero soy”, que obtuvo el primer premio de Mejor Disco de la Academia Charles Cros, que incluía trescientos cincuenta participantes de todos los continentes en el Concurso Internacional de Folklore. Posteriormente, viajó extensamente por Europa.

En 1952, Yupanqui regresó a Buenos Aires, donde rompió su relación con el Partido Comunista, lo que hizo más fácil para él concertar actuaciones en radio. Mientras que con su esposa Nenette construía su casa de Cerro Colorado (Córdoba), Yupanqui recorría el país. Musicalizó las películas Horizontes de piedra (1956), basada en su libro Cerro Bayo y Zafra (1959), actuando también en las mismas.

El reconocimiento del trabajo etnográfico de Yupanqui se generalizó durante la década de 1960, y con artistas como Mercedes Sosa, Alberto Cortez y Jorge Cafrune grabaron sus composiciones y lo hicieron popular entre los músicos más jóvenes, que se refieren a él como Don Ata.

Yupanqui alternaba entre sus casas en Buenos Aires y Cerro Colorado, provincia de Córdoba. Durante 1963 y 1964, realizó una gira por Colombia, Japón, Marruecos, Egipto, Israel e Italia. En 1967 realizó una gira por España estableciéndose finalmente en París. Volvió periódicamente a la Argentina y apareció en Argentinísima II en 1973, pero estas visitas se hicieron menos frecuentes cuando la dictadura militar de Jorge Videla llegó al poder en 1976.

A mediados de los años 1980 presento varias obras en el famoso Cafe Concert y Galeria “La Capilla” ubicado en Suipacha 842. En 1985 obtuvo el Premio Konex de Brillante como mayor figura de la historia de la música popular argentina. En 1986 Francia lo condecoró como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras. En 1987 volvió al país para recibir el homenaje de la Universidad Nacional de Tucumán. Debió internarse en Buenos Aires en 1989 para superar una dolencia cardíaca, pese a lo cual en enero de 1990 participó en el Festival de Cosquín.

Sin embargo, a los pocos días Yupanqui cumplió un compromiso artístico en París. Volvió a Francia en 1992 para actuar en Nîmes, donde se indispuso y falleció el 23 de mayo. Por su expreso deseo, sus restos fueron repatriados y descansan en Cerro Colorado.

Fuente: Wikipedia.

Leonidas Gambertes. Uno de los grandes pintores de América.

85A

Leónidas Gambartes (n. el 13 de febrero de 1909 en Rosario – f. en Rosario el 2 de marzo de 1963) fue un artista plástico argentino.

Maraton Comienza a cursar sus estudios en 1915, en el colegio Pueyrredón Nro 66, de Rosario. Su interés por el arte comienza en 1927, siendo autodidacta. En 1928, con 19 años de edad, pinta un autorretrato.

GAMBARTES, Leonidas. El Barrilete.JPG

En 1933 comienza a trabajar como dibujante cartógrafo en el Ministerio de Obras Públicas. De forma amateur comienza a dedicarse a la pintura en su tiempo libre, conformando un grupo con otros artistas como Medardo Pantoja, Domingo Garrone y Juan Grela. En 1934 el pintor Antonio Berni regresa al país, y junto con el grupo integrado por Gambartes funda en Rosario la Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos. Este grupo sería cerrado durante la dictadura de Uriburu.

3_opt.jpeg

Entre 1937 y 1942 compone la serie Cartones de Humorismo. Es en 1941 cuando realiza su primera exposición en Buenos Aires, sobre este trabajo.

En 1945 comienza una serie temática, que seguirá a lo largo de su vida, referente a las “brujas”, más tarde serán “hechiceras” y “conjurantes”.

En 1949 realiza una obra en cromo al yeso, denominada “Conjuro”. Es con esta técnica que realizará la mayor parte de su producción artística en adelante.

En 1950 integra el grupo Litoral, del cual es creador, junto a Juan Grela, Hugo Ottman, Carlos E. Uriarte, Francisco García Carrera y Oscar Herrero Miranda.

En 1951 expone nuevamente en Buenos Aires, una obra de la serie “Payé”. Volverá a exponer en 1954, en la Galería Bonino y en 1956 lo hace por primera vez en el exterior, participando de la XXVIII Bienal Internacional de Arte, en Venecia. Al año siguiente, expone en la Bienal de Arte de San Pablo.

2_opt

También fue invitado a la Bienal Interamericana de Pintura y Grabado, en México, realizada en 1958. Ese mismo año recibe otros reconocimientos, como la participación en el Salón Panamericano de Porto Alegre y la Exposición Internacional de Bruselas. En esta última recibe la Medalla de Plata. Además sus obras se vieron en Perú, Río de Janeiro y Washington.

Al año siguiente, se realiza y estrena el film “Gambartes, pintor del Litoral”, bajo la dirección de Simón Feldman. Esta película fue encargada por la Comisión Nacional de Cultura.

En 1962, tras treinta años desempeñándose como cartógrafo y sufriendo un mal en la vista, recibe una pensión que le permite dedicarse de lleno a la pintura. Fallece en 1963.

Oliverio Girondo, el gran poeta argentino.

GIRONDO

Nació en el seno de una familia adinerada. Sus padres, Josefa Uriburu y Juan Girondo, le permitieron desde niño viajar a Alemania, Italia, Bélgica y España. En Buenos Aires vivió sus primeros días en la calle Lavalle 1035.

Debido a estos viajes, parte de sus estudios secundarios fueron realizados en Inglaterra (Londres) y en el Colegio Albert Le Grand en Acueil de Francia, país en el que entabló amistad con el poeta Supervielle, con quien asistiría a manifestaciones surrealistas.

Una vez radicado en Buenos Aires, recibe su título de abogado.

En 1930 recorre el Nilo desde Egipto hasta el lago Victoria, y visita Marruecos.

En 1919 concurre a las tertulias de José Ingenieros en el hotel París.

En 1911, a los 20 años dirige el periódico artístico literario “Comedia” con René Zapata Quesada y Raúl Monsegur.

En 1922 publica en una tirada limitada, impresa en Francia, “Veinte poemas para ser leídos en el tranvía”, que incluye ilustraciones realizadas por él mismo.

En 1924 participa en el periódico “Martín Fierro” junto a Samuel Glusberg y Evar Méndez. Allí publica diversos poemas y realiza hasta 1926 una serie de aforismos denominados “Membretes”

“Los bustos romanos serían incapaces de pensar si el tiempo no les hubiera destrozado la nariz.”

Participó en las revistas que señalaron la llegada del ultraísmo (la primera vanguardia que se desarrolló en Argentina), como Proa, Prisma y Martín Fierro, en las que también escribieron Jorge Luis Borges, Raúl González Tuñón, Macedonio Fernández y Leopoldo Marechal, la mayoría de ellos del Grupo de Florida que en contraposición al Grupo de Boedo se caracterizaba por su estilo elitista y vanguardista.

hqdefault.jpg

Oliverio Girondo en su juventud

Girondo fue uno de los animadores principales de ese movimiento. Y ejerció influencia sobre poetas de las generaciones posteriores, entre ellos el surrealista Enrique Molina, con quien tradujo Una temporada en el infierno, de Arthur Rimbaud.

Sus primeros poemas, llenos de color e ironía, superan el simple apunte pintoresco y constituyen una exaltación del cosmopolitismo y de la nueva vida urbana e intentan una crítica de costumbres.

En 1925 publica su segundo libro, “Calcomanías”, y la edición de bolsillo de “Veinte poemas…”

En 1926, en un almuerzo organizado en honor a Ricardo Güiraldes, conoce a Norah Lange, poeta con la cual se casa en 1943 y con quien emprendería innumerables viajes.

En 1932, para la publicación de “Espantapájaros”, lleva a cabo una extraña campaña publicitaria. Girondo realiza una réplica en papel maché del «espantapájaros-académico» que el pintor Bonomi había diseñado para la tapa del libro. El espantapájaros fue colocado, según cuenta Norah Lange, «en una carroza coronaria -de esas que llevan las flores y van detrás del coche fúnebre- tirada por seis caballos, con su auriga y lacallos, vestidos según la moda Directorio, apostados a cada lado». Además, alquiló un local en la calle Florida atendido por muchachas hermosas y llamativas para la venta del libro. La experiencia publicitaria resultó un éxito y el libro se agotó en un mes. El muñeco, que durante años presidió la entrada de su casa de Suipacha al 1444, hoy puede visitarse en el Museo de la Ciudad de Buenos Aires.

Desde 1934 mantuvo una importante amistad con Pablo Neruda y Federico García Lorca, quienes por esa época se hallaban en Buenos Aires.

En 1937 publica “Interlunio” por Editorial Sur, y en 1942 “Persuasión de los días”.

En 1946 publica el poema “Campo nuestro”

A partir de 1950 comenzó también a pintar con una orientación surrealista, aunque nunca expuso sus cuadros.

Acerca de su último libro, “En la masmédula” (1953), Enrique Molina señaló: “Hasta la estructura misma del lenguaje sufre el impacto de la energía poética desencadenada en este libro único. Al punto que las palabras mismas dejan de separarse individualmente para fundirse en grupos, en otras unidades más complejas, especie de superpalabras con significaciones múltiples y polivalentes, que proceden tanto de su sentido semántico como de las asociaciones fonéticas”. Algunos críticos relacionaron este último gesto vanguardista de Girondo con un libro igualmente desesperado, constructor y destructor del sentido: “Trilce”, del peruano César Vallejo.

Sus autores favoritos eran Remy de Gourmont, Rubén Dario, Nietzsche. Su mentor fue su hermano Eduardo.

“Su poesía no es fácil y menos tranquilizadora, tiene el carácter inquietante de toda exploración de lo desconocido y significa el esfuerzo de un hombre que intenta penetrar en la densidad de lo indecible, para volver con su cosecha y ofrecerla como mensaje”

Entre sus numerosas amistades figuran Salvador Dali, Macedonio Fernández, Rafael Alberti, Gómez de la Serna (quien publicó un ensayo sobre Girondo en “Retratos Contemporáneos”) y Aus Keller (con quien asistía a tertulias llamadas “Peñas” de la revista “Martín Fierro”)

En 1961 sufrió un accidente que lo dejó imposibilitado físicamente. Murió el 24 de enero de 1967.

Sus Obras

  • Veinte poemas para ser leídos en el tranvía (1922)
  • Calcomanías (1925)
  • Espantapájaros (1932)
  • Interlunio (relato, 1937)
  • Persuasión de los días (1942)
  • Campo nuestro (1946)
  • En la masmédula (1953)

Fuente: Wikipedia

Isaac Asimov. El padre de la ciencia ficción.

Isaac-Asimov

Isaac Asimov (Petróvichi, RSFS de Rusia, 2 de enero de 1920-Nueva York, Estados Unidos, 6 de abril de 1992) fue un escritor y bioquímico de origen ruso, nacionalizado estadounidense, conocido por ser un prolífico autor de obras de ciencia ficción, historia y divulgación científica.

La obra más famosa de Asimov es la Saga de la Fundación, también conocida como Trilogía o Ciclo de Trántor, que forma parte de la serie del Imperio Galáctico y que más tarde combinó con su otra gran serie sobre los robots. También escribió obras de misterio y fantasía, así como una gran cantidad de textos de no ficción. En total, firmó más de 500 volúmenes y unas 9000 cartas o postales. Sus trabajos han sido publicados en 9 de las 10 categorías del Sistema Dewey de clasificación.

Asimov, junto con Robert A. Heinlein y Arthur C. Clarke, fue considerado en vida como uno de los «tres grandes» escritores de ciencia ficción.

La mayoría de sus libros de divulgación explican los conceptos científicos siguiendo una línea histórica, retrotrayéndose lo más posible a tiempos en que la ciencia en cuestión se encontraba en una etapa elemental. A menudo brinda la nacionalidad, las fechas de nacimiento y muerte de los científicos que menciona, así como las etimologías de las palabras técnicas.

Sus padres, Judah Asimov y Anna Rachel Berman, de origen judeo-ruso, se trasladaron a Nueva York el 11 de enero de 1923, cuando el autor tenía tres años.

“Asimov entronizado con los síbolos de los trabajos de vida” obra de Rowena Morrill.

Su infancia transcurrió en el barrio neoyorquino de Brooklyn, donde el joven Isaac aprendió por sí mismo a leer a la edad de cuatro o cinco años; cabe destacar que nunca aprendió ruso. La juventud del futuro escritor transcurrió entre los estudios y el trabajo en las distintas tiendas de golosinas que su padre regentaba en el barrio de Brooklyn. Fue entre esos estantes llenos de revistas donde el joven Asimov se encontró por primera vez con la ciencia ficción. Comenzó a escribir en su adolescencia temprana y, a los 19 años, empezó a publicar sus relatos de ciencia ficción en las revistas de ficción llamadas pulps.

Tenía tal miedo a volar que sólo viajó en avión dos veces en toda su vida, lo que le hizo pensar que podía padecer de acrofobia. Asimismo padecía claustrofilia, lo opuesto de la claustrofobia, es decir, le gustaban los lugares pequeños y cerrados.

bicentenario

“El Hombre Bicentenario”, Robin Williams interpretando a “Uno”.

Se graduó como bioquímico en la Universidad de Columbia en 1939. Al ser rechazado para ingresar en las escuelas de medicina de las universidades de Nueva York, regresó a Columbia y decidió hacer un postgrado de química, título que obtuvo en 1941. El siguiente año, 1942, fue particularmente significativo para Asimov; al partir hacia la ciudad de Filadelfia obtuvo un trabajo como investigador químico en los astilleros de la marina de guerra estadounidense, empleo que mantuvo durante el transcurso de la Segunda Guerra Mundial. En 1948 consiguió el doctorado en química, lo que le permitió el acceso a la Universidad de Boston donde permaneció como asociado, pero sin opción a enseñar. La universidad dejó de pagarle el salario en 1958, pero, para entonces, los ingresos procedentes de su trabajo como escritor eran mayores que los que conseguía con su labor universitaria. Asimov permaneció en la facultad como profesor asociado, y en 1979 le ascendieron a profesor titular. Sus documentos personales de los años 1965 en adelante se archivaron en la Biblioteca Mugar Memorial de la Universidad de Boston, donde ocupan 464 cajas en 71 m de estanterías. En 1985 fue elegido Presidente honorario de la Asociación Humanista Estadounidense, cargo que ocupó hasta su muerte en 1992. Su sucesor fue su amigo y colega Kurt Vonnegut. Fue también vicepresidente honorario del club Mensa hasta la muerte de su directora Margot Seitelman el 5 de noviembre de 1989.

Asimov se casó el 26 de julio de 1942 con Gertrude Blugerman, con la que tuvo dos hijos: David y Robyn, nacidos respectivamente en 1951 y 1955. Tras un largo periodo de separación se divorciaron en 1973 y a finales de ese año Isaac se casó con Janet Opal Jeppson.

maestros-ciencia-ficcion-i-isaac-asimov-L-leq34P

“Yo, Robot” fotograma de la película.

Asimov murió el 6 de abril de 1992 tras un fallo coronario y renal. Le sobrevivieron su viuda Janet y sus hijos habidos en su primer matrimonio. En 2002, Janet reveló en su propia biografía que la muerte de Isaac Asimov fue debida al sida, tras contraer VIH por una transfusión de sangre durante una operación de baipás vascular en 1983.

Asimov fue miembro de Mensa durante mucho tiempo, a cuyos miembros describía como «intelectualmente combativos». Disfrutaba más de la presidencia de la Asociación Humanista Estadounidense, una organización de ideología atea.

En 1981 se nombró a un asteroide, el (5020) Asimov, en su honor.

El robot humanoide de Honda se conoce con el nombre de ASIMO, aunque dicha empresa haya desmentido varias veces que el nombre tenga algo que ver con el del autor.