Yma Sumac, la voz de los incas

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Yma Sumac nació en el Distrito de Ichocán , San Marcos, Cajamarca; el 13 de septiembre de 1922. Sus padres fueron Sixto Chávarri y Emilia del Castillo. A través de su madre se consideraba descendiente directa del último inca Atahualpa de raza indígena, hecho que fue confirmado por el cónsul general del Perú en los Estados Unidos, aunque cabe destacar que Yma Sumac es de ascendencia castiza. A los cinco años se mudó su familia al poblado de Magdalena y luego a Cajamarca. Se dice que de niña trataba de imitar el canto de los pájaros, iniciándose así su pasión por el canto. Después de que se descubrieran sus dotes de cantante a los trece años de edad y con apoyo del Ministerio de Educación, pasó a vivir a la ciudad de Lima, capital del Perú. Su primera aparición en la radio fue en 1942. Contrajo matrimonio con Moisés Vivanco, compositor y director de la banda Compañía Peruana de Arte, el 6 de junio de 1942 en Arequipa.

Usando el nombre artístico de Yma Sumac, grabó como mínimo ocho canciones de folklore peruano en Argentina en 1944. En estas primeras grabaciones, con el sello discográfico Odeón, fue acompañada por la agrupación de Vivanco Compañía Peruana de Arte, integrada por 46 nativos danzantes, cantantes y músicos.

En 1946, Yma Sumac viaja con Moisés Vivanco a Nueva York donde se presentan como Trío Inca Taky, con Vivanco a la guitarra y Cholita Rivero, prima de Sumac, cantando como contralto y bailando. Algunos consideraron un engaño que ella se proclamara descendiente del emperador Atahualpa y surgió el bulo de que había nacido en Brooklyn y que su verdadero nombre era Amy Camus, que en realidad es su nombre artístico deletreado al revés. El 23 de mayo de 1946, el cónsul José Varela y Arias, en nombre del gobierno del Perú, certificó oficialmente «a mi buen entendimiento y en concordancia con las aserciones de autoridades en la historia de los incas y la historia peruana en general, Yma Sumac es una descendiente del inca Atahualpa».

En 1950 el matrimonio firmó un contrato con Capitol Records, compañía que comprendió el interés de Estados Unidos por las culturas exóticas tras la Segunda Guerra Mundial. De hecho, en sus actuaciones aparecía vestida como supuestamente lo haría una princesa inca según el gusto de Hollywood. Ese mismo año graba, con la producción de Les Baxter, Voice of the Xtabay, que fue un gran éxito. Después grabaría con el director de orquesta Billy May. Su repertorio se nutría de canciones del folklore andino y de otras compuestas por su marido. En 1954 participa en la película El secreto de los incas, con Charlton Heston y Robert Young, donde interpreta los temas «Taita Inty», «Ataypura» y «Tumpa». En 1955 publica Mambo!, con ritmos afrocubanos. En julio de 1955, el Gobierno estadounidense le concedió la ciudadanía estadounidense.

En 1956 aparece en la película mexicana Música de siempre, donde escenifica «Chuncho», y al año siguiente lo hace en Omar Khayyam, con Cornel Wilde. Después de estos éxitos se le concedió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, siendo la primera latinoamericana en recibir este galardón y la única peruana que cuenta con tal distinción. En mayo de 1958 obtuvo su divorcio legal de su exesposo, el músico Moisés Vivanco.

A principios de los años sesenta consiguió hacerse popular en la Unión Soviética, donde en 1961 grabó un disco en directo acompañada por la Orquesta Sinfónica del Teatro Bolshói. Una década después, en 1972, grabó un disco de rock, Miracles. Durante los años siguientes continuó actuando, aunque esporádicamente, en Estados Unidos, Perú y Canadá. En 1987 grabó el tema «I wonder» con el productor Hal Willner para el disco Stay Awake, con versiones de varios artistas de temas de películas de Disney.

En los años noventa se volvió a escuchar su voz en anuncios publicitarios y películas, apareciendo por ejemplo su tema «Ataypura» en la película El gran Lebowski de Joel e Ethan Coen.

El 2 de mayo de 2006, después de tres décadas de alejamiento y contando con 84 años de edad y gracias a la iniciativa de Miguel Molinari (reconocido crítico y promotor cultural), retornó al Perú para recibir una serie de condecoraciones del Gobierno de este país y otras autoridades y organizaciones culturales. La soprano permaneció durante quince días en el país, visitando Cuzco y Machu Picchu.

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En su larga trayectoria se destacaron piezas exóticas como «Ataypura», «Chuncho», «Taita Inty», «Gopher Mambo», «Montana», «Incacho», «Tumpa», «Xtabay», «A La Molina», «El cóndor pasa», «Goomba Boomba», «Jungla», «Jívaro» o «Vírgenes del sol». Algunos cantantes han reconocido su influencia, como el francés Bernard Lavilliers, quien reconoce las influencias musicales «latinas» de los discos de Yma Sumac que sus padres le habían dado en los años cincuenta. Más modernamente, es citada por la cantante Vanessa Paradis en el tema «Joe le taxi» (1987) o por el español Guille Milkyway, que tiene una canción titulada: «La nueva Yma Sumac».

Yma Sumac falleció en Los Ángeles el 1 de noviembre de 2008 tras seis meses de lucha contra el cáncer de colon. Por deseo de la cantante y de sus parientes más cercanos fue inhumada en Hollywood, donde había pasado 60 años de su vida.

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Nini Marshall.Talentosa por siempre

NINÍ MARSHALL - eh!.jpgMarina Esther Traveso nace en Buenos Aires, 1 de junio de 1903 y muere el 18 de marzo de 1996.
Fue una actriz, guionista y humorista argentina, conocida con el seudónimo de Niní Marshall.
Inició su carrera como ilustradora en la revista Sintonía en la década de 1930 y, consecutivamente, se desempeñó como cancionista, comentarista con el seudónimo de Mitzy y protagonista de programas cómicos en las principales radios locales. Para 1938, había debutado como actriz y guionista en Mujeres que trabajan, dirigida por Manuel Romero.Su popularidad se acrecentó considerablemente en los años de 1940, protagonizando 37 películas, generalmente interpretando a sus personajes Catita y Cándida. Su última película, ¡Qué linda es mi familia!, se estrenó en 1980. Apodada «La Dama del Humor» y «La Chaplin con faldas», los últimos años de su vida estuvieron marcados por los reconocimientos. En 1989 fue distinguida como «Ciudadana ilustre de la Ciudad de Buenos Aires», en 1992 recibió el premio Podestá a la trayectoria y en 1995, Marilú Marini, a modo de homenaje, volvió a recrear sus libretos en dos obras teatrales.
Niní. ¡Siempre con nosotros!

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Hay que Educar a Niní (Completa)

Catita es una dama (Completa)

Yo quiero ser bataclana (Completa)

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Cleopatra era Cándida (Completa)

Y se nos fue redepende (completa)

Gracias querida Niní por tanto talento!

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La gran noche de Ricardo Darín.

EL RECUERDO EMOCIONADO A SU PADRE Y SU RECLAMO A LOS ”SEÑORES POLÍTICOS”

EFE/JuanJo Martín

Ricardo Darín tuvo su gran noche al lograr el Goya a Mejor Actor. En su discurso se quebró al dedicar el premio a su padre y le hizo un reclamo a los ”señores políticos”.

Ricardo Darín logró, en su cuarta nominación a este premio, hacerse de la estatuilla a Mejor Actor por su papel en Truman, la película de Cesc Gay que arrasó en la entrega de premios más importante del cine español.

Al subir al escenario para agradecer el premio, se refirió al respeto que siente por sus compañeros de nominación porque “los actores no compiten, suman”.

Luego, envió un breve mensaje político: “Aprovechando la oportunidad, antes de que se queden dormidos, a los señores políticos: hagan algo por la cultura porque es lo único que hay que hacer”, dijo.

Finalmente, el actor tuvo un momento de profunda emoción al dedicar el premio a su padre, quien murió cuando él tenía 30 años

Tras la entrega de premios, Darín habló con el programa La sexta noche, del canal español La Sexta, y se explayó brevemente sobre su reclamo político.

“Me imagino que al estar en esas posiciones todo el mudo les reclamará de todo, pero hoy era el ámbito adecuado para que pidiéramos un reenfoque sobre el IVA sobre el cine. Prestarle un poco de atención a la cultura, porque el cine es cultura. Y aprovechando que estaban ahí me pareció oportuno decirlo, pero cortito”, dijo.

fuente: pantallazo.

Ettore Scola. Un genio maravilloso.

Ettore Scola

Ettore Scola en el festival de cine de Roma, 18 octubre de 2015 (ANSA/CLAUDIO ONORATI)

A los 84 años murió Ettore Scola , inmenso cineasta italiano. Se encontraba internado desde el domingo en el Policlínico de esta capital, donde murió en el departamento de cardiocirujía, según informó la edición digital del Corriere della Sera.

Entre sus grandes “capolavori” se cuentan clásicos del cine italiano que saltaron a la fama en todo el mundo como C’eravamo tanto amati (1974: Nos habíamos amado tanto), film que encarna la típica comedia italiana, pero que también le rinde homenaje a otros géneros, con intérpretes eximios como Vittorio Gassman -su actor fetiche-, Stefania Sandrelli, Nino Manfredi; Una giornata particolare (1977: Un día particular), con Marcello Mastroianni y Sophia Loren, protagonistas de un amor imposible bajo la sombra del fascismo, y La famiglia (1987; La familia), retrato de una familia burguesa italiana a través del tiempo, otra vez con Gassman y Fanny Ardant . Con Brutti, sporchi e cattivi, (1976; Feos, sucios y malos) otra película que hizo historia retratando con atroz realismo la periferia romana, Scola ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Protagonista, primero como guionista y luego como director, de una de las mejores páginas del cine italiano, Scola había nacido en Trevico (provincia de Avellino, en el sur de Italia) el 10 de mayo de 1931. Antes de entrar en el mundo del celuloide, fue periodista: comenzó a colaborar con la revista de humor Marc’Aurelio, donde conoció a personajes que luego también triunfarían en el séptimo arte, entre los cuales se encontraba Federico Fellini. En los años cincuenta comenzó a colaborar con Age y Scarpelli, nombre artístico del dúo de guionistas formado por Agenore Incrocci y Furio Scarpelli, realizadores de films inolvidables como Un americano a Roma (1954), La grande guerra (1959) y Crimen (1960).

Cortometraje “1943-1997” de Ettore Scola.

Su primera dirección fue en 1964 con Se permettete parliamo di donne (Si me lo permiten hablemos de mujeres), con Vittorio Gassman, Nino Manfredi y Marcello Mastroianni. Su última película, en cambio, fue un documental dedicado a Fellini: “Che strano chiamarsi Federico” (Qué extraño llamarse Federico; 2013).

Scola estaba casado con la guionista y directora Gigliola Scola. Junto a sus dos hijas Paola y Silvia había presentado en noviembre pasado en la Fiesta de Roma un ulterior documental que contaba su vida y carrera, titulado Riendo y bromeando. Entonces dijo: “el cine es un trabajo duro pero, riendo y bromeando, se puede enviar algún mensajito, alguna postal con las observaciones sobre el mundo de uno. El cine es como un foco que ilumina las cosas de la vida”.

Le Bal (Amour, castagnettes et tango)

Filmografía

  • Se permettete parliamo di donne (1964)
  • Thrilling (1965) – episodio Il vittimista
  • El millón de dólares (La congiuntura) (1965)
  • El diablo enamorado (L’arcidiavolo) (1966)
  • Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l’amico misteriosamente scomparso in Africa? (1968)
  • El comisario y la proxeneta (Il commissario Pepe) (1969)
  • El demonio de los celos (Dramma della gelosia – tutti i particolari in cronaca)) (1970)
  • Un italiano en Chicago (Permette? Rocco Papaleo) (1971)
  • Festival dell’Unità 1972 (1972) – documental
  • La più bella serata della mia vita (1972)
  • Trevico-Torino – Viaggio nel Fiat-Nam (1973)
  • Festival dell’Unità 72 (1973) – documental
  • Una mujer y tres hombres (C’eravamo tanto amati) (1974)
  • Carosello per la campagna referendaria sul divorzio (1975) – documental
  • Brutos, feos y malos (Brutti, sporchi e cattivi) (1976)
  • Una jornada particular (Una giornata particolare) (1977)
  • ¡Que viva Italia! ((I nuovi mostri) (1977) – episodios L’uccellino della Val Padana, Il sospetto, Hostaria, Come una regina, Cittadino esemplare, Sequestro di persona cara edElogio funebre
  • Buenas noches, señoras y señores (Signore e signori, buonanotte) (1978)
  • La terraza (La terrazza) (1980)
  • Entre el amor y la muerte (Passione d’amore) (1981)
  • Vorrei che volo (1982) – documental
  • Il mondo nuovo (1982)
  • La noche de Varennes (La nuit de Varennes) (1982)
  • La sala de baile (Ballando ballando) (1983)
  • L’addio a Enrico Berlinguer (1984) – documental
  • Maccheroni (1985)
  • Imago urbis (1987) – documental
  • La famiglia (1987)
  • Splendor (1989)
  • Che ora è? (1989)
  • Il viaggio di Capitan Fracassa (1990)
  • Mario, Maria e Mario (1993)
  • Romanzo di un giovane povero (1995)
  • I corti italiani (1997) – episodio 1943-1997
  • La cena (La cena) (1998)
  • Competencia desleal (Concorrenza sleale) (2001)
  • Un altro mondo è possibile (2001) – documental
  • Lettere dalla Palestina (2002) – documental
  • Gente de Roma (Gente di Roma) (2003)
  • Qué extraño llamarse Federico (2013)

J.R.R.Tolkien. El papá de “El Señor de Los Anillos”

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John Ronald Reuel Tolkien, (Bloemfontein, hoy Sudáfrica; 3 de enero de 1892 -Bournemouth, Dorset, 2 de septiembre de 1973), a menudo citado como J. R. R. Tolkien o JRRT, fue un escritor, poeta, filólogo, lingüista y profesor universitario británico, conocido principalmente por ser el autor de las novelas clásicas de fantasía heroica El hobbit y El Señor de los Anillos.

De 1925 a 1945, Tolkien ocupó la cátedra Rawlinson y Bosworth en la Universidad de Oxford, enseñando anglosajón y, de 1945 a 1959, fue profesor de Lengua y Literatura inglesa en Merton. Era amigo cercano del también escritor C. S. Lewis y ambos eran miembros de un informal grupo de debate literario conocido como los Inklings. Tolkien fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II el 28 de marzo de 1972.

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Elijah Wood como Frodo Bolson

Después de su muerte, el tercer hijo de Tolkien, Christopher, publicó una serie de obras basadas en las amplias notas y manuscritos inéditos de su padre, entre ellas El Silmarillion y Los hijos de Húrin. Estos libros, junto con El hobbit y El Señor de los Anillos, forman un cuerpo conectado de cuentos, poemas, historias de ficción, idiomas inventados y ensayos literarios sobre un mundo imaginado llamado Arda, y más extensamente sobre uno de sus continentes, conocido como la Tierra Media. Entre 1951 y 1955, Tolkien aplicó la palabra legendarium a la mayor parte de estos escritos.

Aragorn

Viggo Mortensen como Aragorn

Si bien escritores como William Morris, Robert E. Howard y E. R. Eddison precedieron a Tolkien en el género literario de fantasía con obras tan famosas e influyentes como las de Conan el Bárbaro, el gran éxito de El hobbit y El Señor de los Anillos cuando se publicaron en Estados Unidos condujo directamente al resurgimiento popular del género. Esto ha causado que Tolkien sea identificado popularmente como «el padre» de la literatura moderna de fantasía, o más concretamente, de la alta fantasía. Los trabajos de Tolkien han inspirado muchas otras obras de fantasía y han tenido un efecto duradero en todo el campo. En 2008, el periódico The Times le clasificó sexto en una lista de «Los 50 escritores británicos más grandes desde 1945».

Roverandom

J. R. R. Tolkien acostumbraba desde siempre a narrar historias a sus propios hijos, por los motivos más diversos. Así, concibió el relato de Roverandom en 1925, como un cuento para sus hijos John (ocho años) y Michael (cinco) durante unas vacaciones. Michael estaba muy encariñado aquel verano de uno de sus juguetes: un perrito en miniatura, de plomo pintado de blanco y negro. Desafortunadamente, un día paseando por la playa con su padre, lo dejó en el suelo para jugar y lo perdió. Aunque Tolkien y sus dos hijos mayores pasaron horas buscándolo, no fue posible recuperarlo, por lo que el autor imaginó la historia que hoy conocemos como Roverandom para consolar al pequeño Michael.

Se trata de un cuento infantil que narra la historia de un perrito llamado Rover que muerde a un brujo, por lo que éste lo castiga convirtiéndolo en juguete. Un niño compra ese juguete, pero lo pierde en la playa. Entonces, el hechicero de la arena le hace vivir aventuras desde la Luna hasta el fondo del mar.

Este cuento no fue publicado hasta 1998, de manera póstuma.

El Silmarillion

Tolkien escribió un breve esquema de su mitología del que los cuentos de Beren y Lúthien y el de Túrin formaban parte, y ese esquema fue evolucionando hasta convertirse en el «Quenta Silmarillion», una historia épica que Tolkien comenzó tres veces pero nunca publicó. Tolkien confiaba en publicarla al abrigo del éxito de El Señor de los Anillos, pero a las editoriales (tanto a Allen & Unwin como a Collins) no las convenció; puesto que, además, los costes de impresión eran muy altos en la posguerra. La historia de esta continua reescritura se cuenta en la serie póstuma de La historia de la Tierra Media, editada por el hijo de Tolkien, Christopher. Desde 1936, aproximadamente, Tolkien empezó a extender su marco de trabajo para abarcar la narración de la caída de Númenor («Akallabêth»), inspirada en la leyenda de la Atlántida. No fue hasta 1977, de manera póstuma, que los escritos que componen El Silmarillion vieron la luz, recopilados y editados por Christopher Tolkien. A los relatos mencionados («Quenta Silmarillion» y «Akallabêth»), se añadieron para la publicación otros más breves, de los primeros y los últimos tiempos de la Tierra Media: «Ainulindalë», «Valaquenta» y «De los Anillos de Poder y la Tercera Edad».

El hobbit

La Colina de Hobbiton, donde se encuentra la casa de Bilbo Bolsón.

Tolkien escribía las historias de su legendarium para su propio deleite, el de su familia y el de su círculo literario, sin intención de alcanzar con ellas al gran público. Sin embargo, por casualidad, otro libro que había escrito en 1932 para sus propios hijos y al que había titulado El hobbit pasó de mano en mano sin intervención del autor hasta llegar a Susan Dagnall, una empleada de la editorial londinense George Allen & Unwin. Ésta le enseñó el libro al presidente de la empresa, Stanley Unwin, quien se lo dio a su hijo pequeño, Rayner, para que lo leyera; la historia le gustó tanto que decidieron publicarlo.

En este libro se narran las aventuras del hobbit Bilbo Bolsón que, junto con el mago Gandalf y una compañía de enanos, se verá envuelto en un viaje para recuperar el reino de Erebor, arrebatado a los enanos por el dragón Smaug.

Si bien se trata de una historia infantil, el libro atrajo también la atención de lectores adultos y se hizo lo suficientemente popular como para que Stanley Unwin le pidiera a Tolkien que trabajara en una secuela, más tarde conocida como El Señor de los Anillos.

El Señor de los Anillos

El Anillo Único, en torno a cuya destrucción gira la trama de El Señor de los Anillos.

Aunque no se encontraba inspirado para tratar el tema, la petición de Stanley Unwin de una secuela para El hobbit impulsó a Tolkien a comenzar la que sería su obra más famosa, El Señor de los Anillos, una novela de fantasía épica subdividida en tres volúmenes y publicada entre 1954 y 1955. Tolkien invirtió más de diez años en la creación de la historia y los apéndices de la novela, tiempo durante el cual recibió el apoyo constante de los Inklings, en particular de su amigo más cercano, C. S. Lewis, al que prestaba o leía los borradores que iba escribiendo para que los juzgara. Tanto los acontecimientos de El hobbit como los de El Señor de los Anillos están enmarcados en el contexto de El Silmarillion, pero en una época bastante posterior.

La intención original de Tolkien al empezar a escribir El Señor de los Anillos era que éste fuera un cuento para niños al estilo de El hobbit, pero poco después recordó el anillo encontrado por Bilbo Bolsón y decidió centrar la historia en torno a él y su devenir, convirtiéndose en un escrito más oscuro y serio; por ello, a pesar de ser una continuación directa de El hobbit, fue dirigido a un público más maduro. Por otro lado, Tolkien aprovechó más en esta novela la inmensa historia de Beleriand, que había ido construyendo en años anteriores y que finalmente fue publicada de forma póstuma en el El Silmarillion y otros volúmenes.

El Señor de los Anillos se volvió tremendamente popular en la década de 1960 y se ha mantenido así desde entonces, situándose como una de las obras de ficción más populares del siglo XX a juzgar por sus ventas y las encuestas de lectores, como la realizada por las librerías Waterstone’s de Reino Unido y la cadena de televisión Channel 4, que eligió a El Señor de los Anillos como el mejor libro del siglo.

Trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos

Dia Internacional de la Animación

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El 28 de octubre es el Día Mundial de la Animación. Durante este día se conmemora la primera proyección pública del Théâtre Optique (Teatro Óptico), de Émile Reynaud en el Museo Grevin de París en 1892, claro antecedente de la cinematografía de animación.

Día de la animación.

Charles-Émile Reynaud (Montreuil, (1844 – 1918) fue un inventor y pionero del cine de animación francés que perfeccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al que bautizó con el nombre de Théâtre Optique (Teatro óptico). Fue el primero, además, en perforar la película, como medio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves escenas humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud,  fue el primero en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual dotado de argumento.

Emile Reynaud: Pauvre Pierrot (1892)

Quien fué Émile Reynaud. 

Reynaud

Charles-Émile Reynaud

Émile Reynaud se inicia en el conocimiento de la mecánica de precisión en el taller de su padre, que era relojero, y aprende a dibujar y a pintar con su madre, que era acuarelista. Estudió ingeniería y fue profesor de Mecánica y Física en Le Puy-en-Velay. Desde 1832 se venían creando toda una serie de juguetes ópticos destinados a ofrecer la ilusión del movimiento mediante secuencias de imágenes que pasaban ante tipos distintos de obturador. Reynaud se aplicó a conseguir un medio que evitara la obstrucción del noventa por cien de la luz que produce la obturación. Lo consiguió sustituyéndolo por un tambor poligonal giratorio de espejos pintados con imágenes que, iluminadas en todo momento, eran vistas a través de una ventanita. En diciembre de 1877 patentó este sistema con el nombre de praxinoscopio. El ingenio tuvo un gran éxito comercial como juguete y obtuvo una mención especial en la Exposición Universal de París de 1878.

Praxinoscopio.

 En 1879 tenía lista una evolución del invento, que bautizó como «Praxinoscopio-Teatro». En él, las imágenes en movimiento se contemplaban reflejadas en una especie de proscenio teatral en miniatura y se superponían sobre decorados proyectados con el método de linterna mágica, que constituían un fondo sobre el cual se movían las figuras. Se trata de un precursor del sistema de doble exposición o sobreimpresión, técnica que sería importante en el posterior desarrollo de la cinematografía.

Algunas imágenes de Pauvre Pierrot! (1892).

Pero el principal inconveniente era que el movimiento animado sobre un tambor debía ser necesariamente cíclico. Por tanto Reynaud concibió la idea de dibujar sus imágenes, no sobre espejos rígidos, sino sobre una cinta transparente y flexible que le permitiera pasarla de una bobina a otra. En 1892 patenta el Teatro óptico, que, además, permitía, mediante un sistema de lentes, su proyección para un público en una pantalla translúcida, utilizando otro proyector de imágenes fijas para los escenarios.

Personajes de Autour d’une cabine (1895).

El 28 de octubre de 1892 inicia, en el museo Grévin de París, la proyección de sus «Pantomimas Luminosas» (como anunciaba el cartel publicitario) en un programa que incluía tres películas: Pauvre pierrot, Clown et ses chiens y Un bon bock (1888). De este modo se convirtió en el creador de los dibujos animados.

Un bon bock era una farsa sobre un café donde a un hombre le roban continuamente la bebida y acaba peleándose con los transeúntes.Clown et ses chiens estaba inspirada en el mundo del circo. Pauvre Pierrot! (terminada en 1891 y estrenada en noviembre de 1892) es una encantadora comedia romántica que utiliza los personajes de la Commedia dell’arte.

De su producción tan sólo se conservan Pobre Pierrot (1892) y Alrededor de una caseta de baño (1895). Esta última obra fue representada ininterrumpidamente, ya en competencia directa con el Cinematógrafo de los hermanos Lumière, desde enero de 1895 hasta marzo de 1900, en que finalizará su contrato con el Museo Grévin. Junto a Autour d’une cabine, que era una película cómica (otras de sus obras eran más bien líricas), se proyectaba Rêve au coin du feu (Un sueño junto al fuego). A partir de 1896, Reynaud incluyó una película cinematográfica dirigida por él mismo, Guillaume Tell (Guillermo Tell), interpretada por los payasos Foottit y Chocolat. En julio de 1897 incluye en su programa una nueva película, de fotografía animada, dirigida también por él, Le premier cigare, interpretada por el actor cómico Galipaux. En 1899 comenzó a combinar sus propias bandas animadas con Actualidades Gaumont, un noticiero cinematográfico.

Cheret,_Jules_-_Pantomimes_Lumineuses_(pl_41)Las «Pantomimas Luminosas» permanecieron en cartel durante un periodo de ocho años, desde 1892 hasta 1900, pero lo laborioso del proceso (hasta 700 dibujos necesitaba para una de sus cintas) y la competencia y bajo coste de las películas hechas con el Cinematógrafo Lumière, además de su desventaja en cuanto a lo que Noël Burch ha denominado “efecto Frankenstein” (esto es, hacer verdadera la creación de la vida en la pantalla), acabaron con el espectáculo de Reynaud.Poco a poco las ingenuas historietas animadas de Reynaud dejaron de interesar al público en favor del cine fotografiado, por lo que cayó en el olvido ya en 1900 y acabó en la miseria. Tras destrozar con un martillo las delicadas maquinarias de su Teatro Óptico y arrojar la mayoría de sus películas al Sena una noche de enero de 1910, a consecuencia de una fuerte depresión, Émile Reynaud, el creador del dibujo animado, morirá en 1918 en un manicomio de Ivry-sur-Seine sumido en la indigencia.

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Manuel García Ferré con un muñeco de uno de sus personajes “Hijitus”

En Argentina. Manuel Garcia Ferré, fué uno de los pioneros de la animación. Fue un artista gráfico, historietista, autodidacta y animador hispano-argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Profesor Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito.

“Mientras al chico le des imaginación, le des aventura y le des personajes buenos y malos… El chico en esencia es bueno, es travieso, pícaro, lo que pasa es que los mayores les informamos con otro método. Y creemos que son más inteligentes, porque les damos mucha más información, pero eso no quiere decir que estén maduros. El chico tiene los mismos móviles siempre: la ambición, el querer, el poseer, el coleccionar… Los móviles de aventuras, de imaginación, de deseos, son los mismos” Manuel García Ferré

¿Como se celebra este dia?

Durante todo el día son numerosas las proyecciones y exposiciones que se realizan en diferentes ciudades. Por ejemplo, en Valencia la Filmoteca y el Máster de Animación de la UPV, presentan un mini-ciclo dedicado al cine de animación cubano, representado por Juan Padrón, director películas de animación como Vampiros en La Habana, Quinoscopio, Filminuto o Nikita Chama Boom. La programación incluye el estreno en Valencia de Secret of Kells, dirigida por Tom Moore y Nora Twomey.

La animación es un proceso mediante el cual las imágenes parecen tener movimiento. Este proceso se lleva a cabo mediante diversas técnicas que ayudan a percibir el movimiento por ejemplo en los dibujos animales, los cuales parecen tener vida propia.

Entre los diversos tipos de animación que existen se encuentran:

El formato GIF: en este formato la animación se guarda imagen por imagen.

El formato SWF: las animaciones son interpretadas al ejecutarse.

Festivales de Animación

Los festivales son considerados como uno de los medios de difusión más importante tanto para los cortometrajes como para los largometrajes. Entre los festivales más importantes en los que se dan cita los amantes de la animación se encuentran:

Anima (Argentina).

Animadrid (España).

Creanimax (México).

Animación a la Carta (Venezuela).

Animec (Ecuador).

Anima Mundi (Brasil).

¿Qué se hace?

Se realizan diversas actividades a lo largo de las ciudades de todo el mundo, incluso dirigidas a los niños para que aprendan cómo funciona la animación infantil. La Asociación Internacional de Films de Animación (Asifa) cada año realiza:

Concurso de cortometrajes.

Diversos actos en radio y en televisión.

Taller de animación para niños.

Maratón de animación.

Proyección de cortometrajes.

Proyección de largometrajes.

En muchas ciudades se realizan numerosas proyecciones a las que suelen acudir los alumnos de los colegios junto a sus profesores o maestros. Tras esta jornada normalmente realizan un trabajo escrito en el que desarrollarán todo lo aprendido en este día.

Fuente: Wikipedia